身體藝術家的問題，透過圖書和論文來找解法和答案更準確安心。 我們找到下列推薦必買和特價產品懶人包

英美文學評論第36期：經典與創新

為了解決身體藝術家的問題，作者中華民國英美文學學會 這樣論述：

　　《英美文學評論》為中華民國英美文學學會之機關學術刊物，創刊於一九九三年，專門刊載以中文撰寫之英美文學研究論文，且於二○○三年入選國科會人文處「外文學門專業學術期刊評比排序」第一級期刊名單。 　　本期專刊集結英美文學的故事、歷史災難的故事、日常生活的故事、全球流動的故事，在故事中演繹共同的人性、集體的創傷與共同的命運，並見證生命的精采與韌性以及人類記憶的代代相傳。

身體藝術家進入發燒排行的影片

悲傷調適歷程的敘事研究：以美國喪親哀悼電影為例（2008～2018）

為了解決身體藝術家的問題，作者徐凱嘉 這樣論述：

「喪親」作為人類失落經驗的極至，不僅對個體的生命產生重大影響，有時也擴及社會整體，如何從喪慟中走出便成了一段充滿考驗的旅程。每個喪親的生命故事背後都既有其獨特性，亦有共通性，「喪親哀悼」因此成為電影創作者關注的母題。本研究以2008～2018年間具代表性的四部電影作為研究個案，分別為：《愛，讓悲傷終結》（2010）、《記憶乍響》（2015）、《海邊的曼徹斯特》（2016）、《意外》（2017），以悲傷諮商與輔導理論為基礎，對文本進行電影符號學以及敘事理論的分析，希望藉此建構喪親哀悼電影為一種類型，探討其敘事結構以及電影如何形塑喪親角色在悲傷調適歷程中的心理與行為。透過對上述四部電影的文本分析

，發現每部電影反映出的獨特性可視為喪親悲傷調適歷程的個案研究，而挖掘其共通性則揭示了喪親哀悼電影作為類型電影所蘊含的特色與規則。

當代藝術，如何看：藝術家觀點，帶你看懂作品

為了解決身體藝術家的問題，作者DavidSalle 這樣論述：

好藝術，如何看？ 當代藝術就是布滿專業術語的地雷區 該相信你的眼睛？藝評評價？藝術史論斷？還是市場賣價？ 紐約最前線、美國80年代新表現主義大將 塗鴉藝術家巴斯奇亞、凱斯˙哈林同代人、普普大師李奇登斯坦好友 重返20世紀藝術現場，說出藝術家們的激辯、交心、回憶與自白 歷經觀念｜行動藝術洗禮後的新觀看之道 繼約翰˙伯格《觀看的方式》，又一精彩觀點的經典之作 　　關於藝術的「如何」論戰，沒人比大衛˙薩利探索得更棒。──作家˙魯西迪 　　◎什麼因素讓當代藝術滴答運作？什麼因素讓它變成好藝術？又是什麼因素讓它顯得有趣？ 　　自杜象1917年在小便斗上簽名後，撼動了繪畫主導的藝術世界。視覺

藝術的變化速度日益加快，未來主義、構成主義、新地理、機制批判、非具象主義、表現主義、抽象表現主義、低限主義、新表現主義等新名詞大量繁殖，當代藝術成了布滿專業術語的地雷區，這些術語就像是為了將欣賞者淘汰出局而設計的。 　　◎近五百年後，再度挑戰「藝術家談藝術家」 　　美國80年代最重要的新表現主義大將：大衛•薩利（David Salle），試圖扭轉一般人被藝評家阻隔於現代藝術之外的現況。身為塗鴉藝術家巴斯奇亞和凱斯˙哈林的同代人，及普普大師李奇登斯坦的好友，他想用藝術家聚在一起聊天的語言談論當代藝術，說出一位創作人面對藝術世界這四十年來天翻地覆驟變的真心話。他是繼1550年義大利藝術家瓦薩利

，時隔近五百年後，再度挑戰藝術家談藝術家的後繼者。文集收錄的主題，從當代指標型人物到歷史人物皆有。許多是作者的同代人，有些更是認識幾十年的好友、同學。 　　藝術家講話的方式與記者不同，記者習慣把焦點擺在周圍脈絡、市場、觀眾等等，也跟學術評論不同，評論家會根據理論宣稱自己說法的正當性。這兩種都是宏觀敘事。但藝術家不一樣，他們談的是什麼有效，什麼沒效，為什麼。他們的焦點比較微觀；是由內往外推。 　　◎假如藝術會說話，如何區別哪些是真話？ 　　大衛˙薩利在書中舉例： 　　「Case 1.──曾經有個電視節目叫做《信不信由你！》。其中一集，令人印象深刻，內容是有個傢伙說他把自己的車子吃掉了。他花

了四年的時間，方法是把車子剁成碎片，每天吃掉一小塊，這個傢伙想辦法把整輛車都吃進肚子，包括方向盤、鉻鋼、輪胎，全部。用現在的觀點，他根本不知道自己正在創造藝術。」 　　「Case 2.──今天當代藝術分成兩大陣營。一邊是存在好幾百年不曾間斷的圖像性藝術；另一邊是數量正在增加的展演性藝術。我們不願面對的真相是：展演藝術比創作藝術容易。挑選比創新容易。想做出真正吸引目光的東西，需要獨一無二的充沛活力把知識、視覺和文化的面向整合起來。迴避這項整合工作的藝術，不太可能長久吸引人們的關注，因為它下的賭注比較少。當你心存僥倖，不敢繃到極限，情感的力道就會減弱。」 　　吃車子是藝術嗎？面對觀念藝術，繪畫

究竟太傳統，抑或更凸顯其獨有唯一性，仍具突破空間？複製品、模仿作，與原作有差別嗎？為什麼我們對某些藝術有似曾相識的感覺？對被評論的藝術家來說，是否認同藝評人的專家眼力？當我們欣賞一件當代作品時，要如何看出好壞？普普藝術大師李奇登斯坦，私底下如何評價自己的作品？他的作品，如何的「很不」安迪˙沃荷？市場價格等於藝術價值嗎？藝術家Jeff Koons被諷刺媚俗，他的作品是否只是譁眾取寵？與英國藝術家Hirst比起來，在話題之外，誰的藝術性耐久？這些似是而非，似非而是的疑問，該怎麼說，怎麼想？ 　　關於這些思考，作者歷經了四十年的寫作摸索。從1975年初到紐約，用寫作支付房租，到1980、1990年

代，改以一種懶人版的書寫形式進行採訪。最後，他採用最老派的方式，不採訪，純粹獨立書寫。「我發現，書寫可以幫助我理解對某件事情的真正想法，最後變成一種習慣，很難戒除。」 　　本書的架構分為四部分：「如何為想法賦予形式」、「當個藝術家」、「世間藝術」和「教學與論戰」。 　　最後一篇也可稱為「給年輕藝術家的建議」，包含一些可在課堂上或私下進行的習作。設計這些習作的目的，期待讀者從自身的連結、描述和類比中找到樂趣，帶領「一般讀者」摸清藝術家心思，不需太多專業配備，就可抵達藝術意義的核心。 國內專業推薦、名家推薦語（按姓氏筆畫排序） 　　胡朝聖∣胡氏藝術公司執行長 　　張世倫∣藝評人 　　張君懿

∣藝術家、策展人、國立臺灣藝術大學美術系兼任助理教授 　　陳敬元∣藝術家 　　黃亞紀∣亞紀畫廊負責人 　　劉惠媛∣策展人、藝術評論作者、臺灣數位文化科技與藝術學會執行長 　　龔卓軍∣國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所副教授 　　「卸下當代藝術令人諱莫如深的專業術語，以直接、自然的口吻提供讀者欣賞藝術天馬行空的表現。」──胡朝聖（胡氏藝術公司執行長） 　　「透過大衛直觀又透澈的筆尖，揉合充滿溫度和歷史厚度的色彩。我似乎進入每個創作者的意識，用他們的筆觸描繪出一幅幅世代繪畫的圖像。」──陳敬元（藝術家） 　　「我經常說，好懂的藝術只有很貴的與很差的兩種，因多數人只關心「什麼」而非「怎麼」。本

書讓你擦亮眼睛。」──黃亞紀（亞紀畫廊負責人） 　　「假使藝術會說話，我們要如何學會區別那些是真話？除了好奇、觀看與直覺，我們所認識的藝術大多是來自於藝術家本人、評論、媒體、策展人和收藏家的口耳相傳，透過作者幽默機智的文筆，重返藝術現場，聆聽二十世紀現代藝術精彩的談話。」──劉惠媛（策展人、藝術評論作者、臺灣數位文化科技與藝術學會執行長） 　　「本書以親密對話的文體，讓讀者猶如置身小酒館、咖啡屋與工作室，聆聽藝術家們對當代藝術的激辯、交心、回憶與自白。」──龔卓軍（國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所副教授） 國外如潮佳評 　　「如果說約翰•伯格的《觀看的方式》是藝術評論的經典，探究了藝

術是『什麼』，那麼大衛•薩利的《當代藝術，如何看》就是藝術家給的答覆，告訴觀者該『如何看』。篇篇精彩的文章談論藝術家在創作時，他們想什麼？ 關於藝術的『如何』論題，或許從來沒人比他探索得更棒。」──作家˙魯西迪 　　「一流的藝評有很多是由藝術家所寫的，是那種最不掉書袋，也不會只把藝術家當成棋子來看待的評論文章。大衛•薩利正是這類藝評者，他不問這是不是藝術？屬於哪種派別？而是問它讓我有什麼感受和思考？他的藝術作品經常被標籤為前衛，一種概念上的立場聲明，他巧妙地且以一種令人信服的方式提醒我們，所有的藝術，即使表面上看來桀驁不馴，也都等著被觀看，而藝術家做的正是教我們怎麼觀看。」──美國作家˙亞當

•高普尼克 Adam Gopnik 　　「大衛•薩利被認為是創作前衛且聰明的畫家，但他的這本書帶給我們的驚喜更多。他的第一本散文集是一場場精闢且近身的觀察手記。他認為新藝術源自古藝術，他在書中將不可親近的大師召喚前來，（當他提到他當代的朋友Alex Katz和Jeff Koons時），讓他們有了生動的形象和親近感。身為畫家，薩利似乎以身為藝術家大家庭的一員而感動且自豪，並從他所謂的『共享的藝術DNA』中推導他的繪畫形式，提升了所有傑作其實都是同一組創作的可能性。」──藝評家˙Deborah Solomon  

科幻電影的身體轉向： 論操控化、監視化與義體化現象

為了解決身體藝術家的問題，作者吳景琦 這樣論述：

1927年佛列茲‧朗（Fritz Lang）所執導的《大都會》（Metropolis,1927）開啟一種預言式的科幻電影類型，描述工業發展的未來社會現象。影像呈現高度未來性的建築特色與極端差異的場域空間，但也內涵著當代暴露的社會批判：資產階級的剝削、勞動階級與生產機器的關係、生活場域的劃分與差異、資產階級對於勞動階級的監視與控制、人類與機械人之間的形體界限模糊以及思想狀態的混淆等。《大都會》開拓科幻電影的批判文類形式，也深遠地影響之後的科幻電影發展。它所顯曝不僅是有關工業革命以降的科技發展，更是對於社會制度的、電影影像的功能變異以及不同身體的界線等其他問題甚多著墨。 因此，本文首先逐一

爬梳科幻電影歷史的發展脈絡，從1927年《大都會》開始至今的科幻電影，並梳理在科幻電影影片所提及的各種身體形態，藉以歸納、論證《大都會》作為最早著重在不同的身體進行工具化描述的影片，以確立其重要性與其後的影響。本文並以《大都會》影片為起點，根據涉及身體工具化的批判內容，提出身體的操控化、監視化、及義體化等三大身體工具化現象。其後，進行三大主題的文本分析，闡述人的身體在科幻電影中，如何成為資本主義下的操控器具，以及身體與機器之間的操控關係。透過身體的操控，強調監視的行為，也是具有一種操控的慾望，藉著攝影機影像，監看人的行為、活動，轉而演變成人的身體移動實行監視的功能，成為一種移動式的攝影機，多重

的監視影像。最後，被監視者的眼睛成為監視攝影機之時，其身體的行動實踐著監視者的意志，依循著監視者的操控指令，進行視覺觀看、身體移動、影像紀錄，形成義體概念的身體延伸。